EFE
PARÍS.- Un cuadro de Claude Monet ha resultado dañado por unos desconocidos que entraron la pasada noche en el Museo de Orsay de París, según han informado desde el Ministerio de Cultura.

Se trata de ‘Le pont d’Argenteuil’, una visión del puente de esa ciudad francesa que el impresionista Claude Monet (1840-1926) terminó en 1874.

La Policía investiga los acontecimientos, aunque la hipótesis inicial es que los desconocidos consiguieran entrar en el museo con un objetivo que se ignora y que, cuando saltó la a alarma, se apresuraron a escapar.

El grupo, integrado por cuatro hombres y una mujer, fue filmado por las cámaras de seguridad del Museo y permaneció tres minutos en el interior, después de haber forzado una puerta que da al exterior.

Entre medias dañaron el cuadro de Monet, que ha resultado con una raja de unos diez centímetros, resultado aparente de un puñetazo.

La ministra de Cultura, Christine Albanel, se ha mostrado indignada por ese comportamiento y tras comprobar sobre el terreno los daños ha apuntado la explicación de que el grupo estuviera «borracho».

Al margen de la necesidad de mejorar las medidas de seguridad de los museos, Albanel ha pedido al Ministerio de Justicia que trabaje para que los delitos contra bienes culturales, sean daños o robos, estén tipificados de manera especial y más rigurosa.

‘Le pont d’Argenteuil’ es un motivo que se encuentra en la obra de Monet, que sólo en 1874 pintó siete versiones distintas con diferentes puntos de vista y contraste de colores»
Vía:www.elmundo.es

EFE
LONDRES.- No se trata de una simple fractura en el suelo de la Tate Modern. ‘Shibboleth’, la gran grieta irregular abierta en la enorme Sala de las Turbinas de la galería londinense condensa el último proyecto de la colombiana Doris Salcedo, quien define su obra como ‘perturbadora, conflictiva y difícil’.

Motivada siempre por temáticas políticas y sociales, Salcedo ha vuelto a tomar como referente a las ‘víctimas’, a los ‘inmigrantes’ y a las divisiones del mundo y de la humanidad para concebir una escultura subterránea cargada de ‘significado’.

«Siempre oriento mi trabajo hacia la experiencia de las víctimas y lo adapto al espacio que se me ofrece; trato de combinar ambos elementos y mi intención es añadir al mundo la perspectiva que le falta en general», explicó la colombiana en la presentación de la pieza.

Salcedo da rienda suelta a sus inquietudes con los centímetros que fragmentan los cimientos de la vasta sala de exposiciones, y con los que la artista simboliza el «agujero que hay entre la humanidad y la falta de humanidad».

«(La grieta) No tiene fondo; es tan profunda como lo es la grieta de la humanidad», indica.

Se trata también de una obra conceptual «silenciosa», con la que Salcedo relaciona su trabajo con «la tragedia» además de revelar «parte de la historia colonial e imperial que ha sido ignorada» y que se podrá contemplar hasta el 6 de abril del próximo año.

El dramático agujero que perfora el cemento de la planta baja del museo deja entrever trozos de cable insertados en una especie de molde de hormigón, aunque su creadora considera inoportuno tener que aludir a los materiales utilizados.

«¿Qué sentido tiene que sepan cuáles son los materiales que se han empleado? La importancia radica en el significado de la obra», sentencia.

Unas visitantes en torno a la obra. (Foto: AFP)
Tampoco hay necesidad, dice, de «narrar esta experiencia» ya que presupone que «es algo que el espectador va a sentir».

Es, sin embargo, un «esfuerzo colectivo», en el que «muchos» han colaborado y en el que el equipo de personas que rodea a Salcedo ha cuidado «cada centímetro cuadrado al detalle», tal y como recordó el comisario de la galería, Achim Borchardt-Hume.

Nacida en 1958 en Bogotá, Salcedo sucede en la Sala de las Turbinas al alemán Carsten Hoeller, dentro de la serie anual ‘Unilever’, que empezó en 2000 y que ha contado con conocidos artistas como el español Juan Muñoz y la franco-estadounidense Louise Bourgeois.

La colombiana, famosa por sus impactantes instalaciones inspiradas en los problemas sociopolíticos de Latinoamérica, consideró que la Tate le brindaba el «perfecto escenario para subrayar las cosas que ha quedado olvidadas» y para «meter el resto del mundo en este espacio negativo».

En 2002 ya sorprendió con 280 sillas colgadas de la fachada oriental del Palacio de Justicia de Bogotá, un tributo al centenar de personas que murieron durante el asalto de un grupo de guerrilleros del M-19 a ese edificio en 1985.

Un año más tarde, en la Bienal de Estambul (Turquía), la escultor rellenó un hueco entre dos inmuebles con 1.550 sillas, en una instalación que simbolizaba a los emigrantes que contribuyen a la economía mundial.

Tampoco es la primera vez que expone en Londres. En 2004, Salcedo expuso en la galería White Cube, si bien la Tate ya había mostrado algunas de sus obras en 1999.

(Via El Mundo.)

EFE
MADRID.- El Instituto Cervantes ha rendido hoy un homenaje a Antoni Tàpies con la inauguración de la exposición ‘Los carteles de Tàpies y la esfera pública’, de 1950 a 2006, así como con el depósito, en la Caja de las Letras de la institución, de un legado personal del artista catalán.

Miquel Tàpies, hijo del artista y presidente de la Fundación que lleva su nombre, ha guardado en la caja número 999 un paquete envuelto en papel blanco que, según ha revelado, ‘es algo simbólico que mi padre ha elegido por estar relacionado con un poeta al que admira mucho», en relación a Antonio Gamoneda, cuyo legado ocupa la caja número 1001.

Antoni Tàpies, que no quiere que se abra su legado hasta el año 2022, es la tercera personalidad del mundo de la cultura, tras los Premios Cervantes Francisco Ayala y Antonio Gamoneda, en depositar un legado en la Caja de las Letras, pero el primero del entorno del arte.

Carmen Caffarel, directora del Instituto Cervantes, ha afirmado que esta caja «se abre ahora a todo tipo de interpretación artística».

A continuación se presentó la exposición ‘Los carteles de Tàpies y la esfera pública’, que reúne en el Instituto Cervantes 95 carteles que el artista catalán realizó entre 1950 y 2006, una particular crónica gráfica de la democracia en España, según ha destacado la directora de esta institución.

La exposición, organizada por el Instituto Cervantes y la Fundación Antoni Tàpies, en colaboración con el Ministerio de Cultura, pone de manifiesto el compromiso del artista con los acontecimientos políticos y sociales de la historia contemporánea.

Es una exposición «donde Tàpies utiliza la palabra, la escribe y la tacha», ha subrayado la comisaria de la muestra y directora de proyectos de la Fundación Tàpies, Nuria Enguita.

El recorrido por los carteles de Antonio Tàpies, que hoy ha realizado Carmen Caffarel junto a Miquel Tàpies, su mujer y su hijo pequeño, uno de los cuatro nietos del artista nacido en Barcelona en 1923, se realiza de forma cronológica, pudiendo seguir la historia del país así como la evolución del artista.

Diversos tamaños, el uso del amarillo y el rojo -los colores de la bandera catalana, la escasa utilización del cartón y de imágenes o la introducción de corazones, bocas, las cuatro barras de una prisión o el pie, parte fetiche para el artista, marcan unos carteles «no estrictamente comerciales o políticos», sino de la esfera pública, tal y como se titula la exposición.

A través de los carteles creados durante cincuenta años, Antoni Tàpies, que no ha solido cobrar por estos encargos, ha podido llamar la atención sobre los derechos humanos, la paz, las centrales nucleares, la entrada de España en la OTAN o la guerra de Bosnia.

Antoni Tàpies también ha dejado para el recuerdo desde el encuentro internacional de poesía de Toulousse de 1981 o el concierto de Lluís Llach y Raimon, que no pudo celebrarse en el estadio del FC Barcelona en julio de 1976.

La muestra, que no hace distinción entre los carteles públicos y los más privados, es una ocasión única para contemplar aquellos que en su día hubieran sido censurados en España, como el fechado en 1974 y que incluye la palabra «asesinos» por ir en contra de la pena de muerte.

La exposición ‘Los carteles de Tàpies y la esfera pública’ permanecerá abierta desde hoy y hasta el 18 de noviembre, y después viajará durante 2008 a los centros del Instituto Cervantes en Burdeos, Praga y Berlín.

(Via .)

50 años de historia a través del arte de Tàpies | elmundo.es: «

LA EXPOSICIÓN ESTÁ COMPUESTA POR 234 PIEZAS
La muestra se centra en el papel que jugó el arte en los cambios políticos y religiosos.

El conservador jefe del Museo Thyssen, Guillermo Solana, durante la presentación de la exposición ‘Durero y Cranach. Arte y Humanismo en la Alemania del Renacimiento’.

MILA TRENAS (EFE)
MADRID.- Poder contemplar reunidas 16 pinturas de Durero y 26 de Cranach es uno de los atractivos de la exposición que el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid dedican al arte alemán del Renacimiento, desde finales del siglo XV a mediados del siglo XVI.
En lo que los organizadores consideran la primera exposición organizada en España sobre el Renacimiento alemán de forma global, la muestra centrada en dos de sus más grandes artistas, Alberto Durero (1471-1528) y Lucas Cranach (1472-1553), aborda la diversidad de las manifestaciones artísticas y la importancia que tenían cada una de ellas en su época, así como el papel que jugó el arte en los cambios políticos y religiosos que tuvieron lugar en esa época convulsa.

Esta riqueza y variedad del arte del Renacimiento alemán queda patente en las 234 piezas que se exhiben, entre pinturas, dibujos, estampas, orfebrería, diseños, armaduras y otros objetos decorativos, de guerra o de caza, que dan una idea no sólo del arte sino también de la sociedad, la política y la religión de esos años en los que se produjo un profundo cambio, promovido por la Reforma religiosa y el nacimiento de los grandes imperios transnacionales.

Guillermo Solana, conservador jefe del Thyssen-Bornemisza, no escatimó elogios para ensalzar lo que considera «el evento más importante de estos últimos años». Durero, aseguró, es un asunto habitual y cotidiano y no hay año que en España no se organice una exposición sobre él «pero hay dureros y dureros».

Lo corriente, aseguró, es que sean muestras sobre obra gráfica y constituidas por un préstamo global de una sola institución, «un empeño así no tiene ni la entidad ni la dificultad de una exposición como esta».

En un esfuerzo titánico, ‘Durero y Cranach’ está confeccionada pieza por pieza para ocupar un lugar determinado en un proyecto muy estructurado. «Una gran exposición es como un barco que hay que reparar sin dejar de navegar», aseguró Solana, quien recordó que ha habido que hacer frente a «muchas olas» de nuevas peticiones para preservar la coherencia y calidad del conjunto.

Todo este trabajo ha estado coordinado por Fernando Checa «y lleva su marca, su estilo inconfundible», ya que, como recordó Solana, el ex-director del Museo del Prado «hace exposiciones de carácter total».

La admiración que ha sentido desde siempre hacia el autorretrato de Durero que se conserva en el Museo del Prado fue el arranque de la afición de Checa por este periodo de la cultura. Así lo recordó el comisario que ha estructurado un recorrido de carácter temático.

Este recorrido se inicia en el Thyssen, en cuyas salas se explora la imagen del artista nuevo en el Renacimiento alemán, cuáles son sus preocupaciones estéticas, el mundo íntimo de la creación artística, que se complementa con las relaciones con la Iglesia, tema clave de esta primera parte de la exposición.

Pinturas, grabados, dibujos de Durero y de Lucas Cranach, junto a obras de artistas como Giovanni Bellini, Hans Wechtlin, Hans Baldung, Hans Cranach, Albrecht Altdorfer, entre otros, junto a esculturas, vidrieras o piezas de orfebrería ilustran esta primera parte.

El tema abordado por el comisario en las salas de la Fundación Caja Madrid gira en torno a ‘Un mundo en conflicto’ y refleja el paso conflictivo de la Edad Media al Renacimiento en una época en la que surge la escisión decisiva de la Reforma. Las obras exhibidas muestran la relación de los artistas con el poder, la guerra o la religión.

El gran tapiz ‘Los cuatro jinetes del Apocalipsis’ de Wilhelm de Pannmaker, cedido excepcionalmente por Patrimonio Nacional, preside la sala exposiciones, en la que se pueden contemplar obras relacionadas con temas religiosos junto a otras englobadas bajo el nombre del monarca ‘Maximiliano I’ en un espacio en el que, junto a dibujos y grabados, se muestran armaduras y útiles de guerra, aspecto tratado en la última de las salas de la exposición, que permanecerá abierta hasta el 6 de enero.